En couverture

Top Québec 2019 – Jason Béliveau

5 janvier 2020

Mentions : Mad Dog and The Butcher – Les derniers vilains, The Twentieth Century

5. Les barbares de La Malbaie (Vincent Biron)
Un drame sportif atypique déboulonnant le mythe du bro debilitus, d’un humour gris comme les routes enneigées qui mèneront le joueur de hockey déchu Yves Tanguay (surprenant Philippe-Audrey Larue-St-Jacques) de La Malbaie dans Charlevoix à Thunder Bay en Ontario pour un tournoi supposément salvateur. Le réalisateur Vincent Biron et les scénaristes Eric K. Boulianne, Marc-Antoine Rioux et Alexandre Auger se sont autant inspirés d’un Rocky que d’un certain cinéma indépendant américain (Alexander Payne, Andrew Bujalski) pour nous livrer cette œuvre ne reniant pas le grand public, osant même plutôt l’amener courageusement en terrains inconnus.

4. Antigone (Sophie Deraspe)
Un film fou, enragé, avec en son centre la jeune comédienne Nahéma Ricci-Sahabi, livrant une performance digne de Renée Falconneti, prenant sur elle le poids d’un monde insensé, jusqu’au démantèlement complet de son être. Sophie Deraspe confirme son statut de cinéaste imprévisible, de haut vol, mélangeant ici la tragédie grecque et le drame social, jouant dans les zones floues séparant documentaire et fiction avec une aisance confondante.

3. La femme de mon frère (Monia Chokri)
Vif, drôle, intelligent, maniéré (dans le bon sens du terme) : plusieurs qualificatifs conviennent à La femme de mon frère. Les initié-es savaient déjà que Chokri possède un incroyable talent de scénariste et de réalisatrice (son court métrage Quelqu’un d’extraordinaire); les autres ont découvert une signature précise et inimitable, en continuité avec le meilleur d’un cinéma québécois généralement pastiché sans grande saveur. Ici, les hommages (et les répliques) enchantent et laissent entrevoir une longue et fructueuse carrière qui ne fait que commencer.

2. Carnaval (Alexandre Lavigne)
L’anomalie de la liste, un premier film du jeune comédien Alexandre Lavigne (Prank), tourné à peu de frais, toujours à la recherche d’un distributeur, pigeant dans les codes du cinéma lo-fi (voire amateur) des années 90 pour traiter de nostalgie, non pas dans un rapport culturel ou référentiel (ce qui aurait été facile et attendu), mais plutôt pour parler du temps qui passe et de notre capacité à guérir d’une tragédie personnelle. La distribution (Julie Leclerc et Gabriel Szabo en tête) émerveille (vous allez rire et pleurer, promis) et la réalisation parvient à subjuguer avec des bouts de ficelle. À cet effet, une scène où est détournée une pièce d’Alanis Morissette demeure, dans sa simplicité, l’un des moments les plus bouleversants de notre cinéma cette année.

1. Kuessipan (Myriam Verreault)
Un film à la fois de son époque et immémorial, documentaire de fiction, récit d’apprentissage, prise de parole de voix qu’il fait du bien d’entendre. Il aura fallu dix ans à Myriam Verreault pour répondre à son fabuleux À l’ouest de pluton. Ici, le même souci de documentariste d’aller saisir l’expérience humaine dans ses inflexions les plus subtiles, ce qui n’empêche pas de grands mouvements dramatiques, dans cette histoire de deux jeunes Innues de la Côte-Nord aux trajectoires opposées. Sharon Fontaine-Ishpatao et Yamie Grégoire nous ont donné des personnages complexes auxquels il serait difficile de ne pas s’identifier, malgré la distance qui pourrait nous séparer de leur expérience. Le meilleur film québécois d’une année, accordons-le, encore une fois exceptionnelle.

Top 2019 – Maxime Labrecque

4 janvier 2020

Little Women (Greta Gerwig)
Nul besoin de connaître l’original, car le film de Gerwig s’autosuffit largement. Il s’agit d’une œuvre où la linéarité traditionnelle du récit s’égare au profit d’un montage qui repose sur des liens émotionnels et non de cause à effet. On plonge en pleine confiance dans cet univers qu’on souhaiterait ne jamais quitter.

Mad Dog Labine (Jonathan Beaulieu Cyr et Renaud Lessard)
Pour leur premier long métrage, les réalisateurs ont osé le mélange des genres en proposant un docufiction hautement savoureux, au cœur du Pontiac. Le talent des deux jeunes comédiennes contribue au succès de ce film qui commente avec humour et profondeur la vie dans une région parfois oubliée du Québec.

Booksmart (Olivia Wilde)
Pour son premier long métrage, Olivia Wilde propose une comédie réflexive à la fois irrévérencieuse et authentique qui joue avec les codes des films pour ados de manière assumée et renouvelée. Une comédie brillante qui regorge de trouvailles audacieuses et de dialogues mordants.

Honeyland (Tamara Kotevska et Ljubomir Stefanov)
Quel documentaire fascinant ! Le film dépasse la simple étude de cas pour proposer un microcosme de la société. Le portrait qui est dressé de cette femme forte est absolument marquant et touchant. Il s’agit, hors de tout doute, d’un exemple de résilience hors du commun, présenté dans une œuvre à la fois intime et grandiose

The Twentieth Century (Matthew Rankin)
Pour ce premier long métrage, Rankin s’amuse à gentiment subvertir l’épopée des plus brillants exploits et les fleurons glorieux de l’hymne national. Chez le réalisateur manitobain, chaque scène devient un tableau enivrant qui frappe l’imaginaire. Car au-delà du sujet, c’est véritablement son style qui se démarque, de même que son humour.

Parasite (Bong Joon-ho)
Même si le fait d’inclure la Palme d’or dans son palmarès peut sembler convenu, ici c’est amplement mérité. Une œuvre menée de main de maître; une histoire enlevante de laquelle on ne décroche jamais ; un commentaire acerbe sur les classes sociales; un titre qui veut tout dire.

Marriage Story (Noah Baumbach)
Se montrant digne de sa douce moitié, Noah Baumbach propose une œuvre à la hauteur de son talent pour dépeindre les relations familiales troubles. La courbe dramatique ne sombre pas dans la mièvrerie ou dans la facilité; au contraire, le film capte avec justesse les émotions contradictoires et parfois erratiques qui résultent d’un divorce.

Portrait de la jeune fille en feu (Céline Sciamma)
Je ne pensais pas un jour revivre l’intensité de La leçon de piano, mais le film de Céline Sciamma conjugue d’une manière tout aussi forte l’attirance, l’art et la puissance de la mer. Une œuvre vigoureuse et tendre tout à la fois, qui laisse des images marquantes dans l’esprit du spectateur.

Douleur et Gloire (Pedro Almodóvar)
Cette oeuvre met en scène un personnage qui a apparemment tout, mais qui souffre terriblement jusqu’à ce que la création le ramène à la vie. Portée à bout de bras par Antonio Banderas en pleine forme, Douleur et Gloire demeure une œuvre profondément honnête, voire réflexive, qui ne cherche pas le scandale, mais qui trouve réconfort dans la douceur.

Note : Je n’ai pas encore vu Uncut Gems, Les misérables, Atlantique et A Hidden Life. Mention spéciale à La femme de mon frère, The Irishman, Ad Astra et à Midsommar.

Top 2019 – Jean Beaulieu

2 janvier 2020

1. Parasite (Bong Joon-ho)
Palme d’or méritée. Un film qui allie subtilité de mise en scène avec un scénario en béton. De loin le film le plus original de l’année.

2. Ex-aequo — trois films qui sortiront en salle en 2020 mais vus en festival en 2019
Les Misérables (Ladj Ly), Une grande fille (a.k.a. Beanpole) (Kantemir Balagov) et Portrait d’une jeune fille en feu (Céline Sciamma)
Trois films très différents (un drame social contemporain explosif, un drame de guerre au scénario très peu prévisible et vu du point de vue de deux femmes, et un film d’époque aux accents féministes porté par un souffle artistique peu commun).

5. Joker (Todd Phillips)
Une grande surprise, un film très sombre dont la finale remet tout ce qui précède en perspective.

6. The Irishman (Martin Scorsese)
Comme l’a dit je ne sais plus quel critique : davantage un film sur le vieillissement que sur la Mafia. Scorsese très à l’aise dans le genre qui en a fait un demi-dieu. Merci Netflix (bouh! Hollywood).

7. Jeanne (Bruno Dumont) — vu au FNC
Je l’avoue, je suis un inconditionnel de Bruno Dumont. J’avais quand même trouvé Jeannette plus fort et plus original. Austère et digne de Bresson.

8. The Farewell (Lulu Wang)
Film de nature autobiographique, qui m’a rappelé un peu le Yi Yi d’Edward Yang. Agréable surprise.

9. Marriage Story (Noah Baumbach)
Comparé aux (très bons) films de Woody Allen et à Rohmer, Baumbach nous propose néanmoins son « Scènes de la vie (post-)conjugale », qui ne manque pas d’humour ni d’émotions. À la fois grinçant, tendre et touchant. Merci Netflix (bis).

10. Once Upon a Time… in Hollywood (Quentin Tarantino)
Pas son meilleur (loin de là), mais toujours jouissif pour le cinéphile avec son récit « uchronique », quelques morceaux de bravoure (la scène au ranch Spahn, entre autres) et ses multiples références aux films de série B et obscurs hits populaires de la fin des années 60…

Il y a certains titres que je n’ai pas vus et qui trouveraient peut-être une place ici, mais tant pis. Anomalie (pour moi) : 5 films américains sur 10 (si l’on inclut The Farewell). Mentions honorables, du côté québécois, à Répertoire des villes disparues de Denis Côté, à Matthias et Maxime de Xavier Dolan et à Genèse de Philippe Lesage, ainsi qu’à quelques documentaires vus aux RIDM, notamment deux films allemands basés sur des archives visuelles (Heimat is a Space in Time, de Thomas Heise), et sonores (Status and Terrain de Ute Adamczewski). Quelques autres titres qui ont raté de peu le Top 10 : Zombi Child (Bertrand Bonello), Dogman (Matteo Garrone), Les Hirondelles de Kaboul (Zabou Breitman et Éléa Gobbe-Mevellec), Sorry We Missed You (un Ken Loach de bonne cuvée), Woman at War (Benedikt Erlingsson), Ceux qui travaillent (autre drame du travail du Suisse Antoine Russbach) et le très sombre (dans le sens littéral) Vitalina Varela de Pedro Costa (celui-là pourrait très bien se glisser dans le Top 10, peut-être à la place de Jeanne).

Du côté des déceptions de l’année, Douleur et gloire (la première fois qu’un film d’Almodovar m’a ennuyé), Little Joe (drame sci-fi trop aseptisé de Jessica Hausner), A Hidden Life (Terrence Malick, plus « malickéen » que jamais) et Aquarela (film écolo de Viktor Kossakovsky, qui après une saisissante première séquence en Russie devient un fond d’écran).

Mad Dog & The Butcher – Les derniers vilains

12 décembre 2019

Quand la lutte était vraie

Jason Béliveau

Pour quiconque ayant un intérêt, même marginal, pour la lutte professionnelle, la famille Vachon revêt des allures royales. Maurice, Paul, Vivian et Luna, sur près de 60 ans, ont gravi les échelons de cet univers concurrentiel pour atteindre des sommets rarement égalés. Le cliché veut que le lutteur perde au change : contre son intronisation au temple du spectacle factice (question fondamentale : la lutte est-elle vraie ?), il renonce à sa santé, mentale et physique, et à une vie familiale conventionnelle. Il s’agit là d’un filon riche en drame exploré il y a une dizaine d’années par Darren Aronofsky dans The Wrestler, où un Mickey Rourke boursouflé par les stéroïdes et les abus décide de retourner dans l’arène une dernière fois, ivre des applaudissements de ses fans. Dans un registre plus ludique, le court métrage québécois Bleu tonnerre, de Jean-Marc E. Roy et Philippe David Gagné, illustrait lui aussi les revers de ce métier ingrat et exigeant.

Mad Dog & The Butcher – Les derniers vilains se concentre sur le dernier survivant de la famille Vachon, Paul « The Butcher ». À bientôt 80 ans, Paul survit comme il peut. Après plusieurs cancers et une chirurgie à cœur ouvert, il parcourt l’Amérique avec sa femme, Dee, de convention en convention, se remémorant ses meilleurs souvenirs accompagnés des siens, allant à la rencontre de celles et ceux qu’il a subjugués dans les années 1960 à 1980, souvent en compagnie de son grand frère Maurice « Mad Dog », figure légendaire intronisée au Temple de la renommée de la WWE, plus grande organisation de lutte professionnelle. Une carafe de café noir à portée de main, il pousse sa marchette à travers la foule, le sourire aux lèvres, heureux du chemin qu’il a parcouru.  

Le documentariste de Québec Thomas Rinfret a suivi Vachon et sa femme durant près de cinq ans afin de tourner un film à la hauteur du mythe autoconstruit par le lutteur. Au lieu de s’en tenir au strict minimum, à une formule classique, il accumule les effets, utilise un grand livre d’histoire, « Les derniers vilains », conférant à son film l’aspect d’un conte surréel, narré à la première personne. Ce dernier vilain est aujourd’hui le seul pouvant encore témoigner de l’invraisemblable sur lequel il a fait son beurre et sa gloire. Mais Rinfret réserve aussi de belles minutes à Vivian et à Gertrude « Luna » Vachon, la sœur et la fille adoptive de Paul, lutteuses d’exception, toutes deux décédées dans des circonstances tragiques.

D’ailleurs, le film prend rapidement une tournure élégiaque, au-delà de la force centripète du ring. L’émotion est palpable, notamment lors d’une réunion familiale en Alberta, où Paul rencontre un fils qu’il connaît à peine. Rinfret tient sa caméra à distance, mais ose aller questionner le fils quelque peu amer, pour offrir une autre image de l’homme vieillissant, nous laissant mesurer les revers d’une vie passée à parcourir le monde et à faire la fête. De petites perles sont autrement parsemées çà et là, rendant hommage au caractère narratif de la lutte, laissant Paul raconter sa vie à des inconnus rencontrés au hasard de ses voyages. Il pousse parfois le bouchon, par exemple lorsqu’il annonce sans broncher qu’un combat qu’il a mené contre un charismatique Afro-Américain, alors qu’il incarnait le rôle du méchant Russe Nikolaï Zolotoff, aurait « brisé la ségrégation entre les Noirs et les Blancs dans tout le Texas et dans une bonne partie de l’Amérique aussi. » Et, à l’entendre, gorgé d’enthousiasme, nous raconter ses exploits, une seule envie nous prend, celle de le croire sur parole.

Paul vit ses derniers jours dans une résidence pour personnes âgées qu’il a baptisée « Valhalla », lieu de repos dans la mythologie nordique pour les guerriers morts au combat. « Vieillir, c’est pas pour les peureux », philosophera-t-il. En lutteur ou en père Noël de centre d’achats derrière sa marchette, le désir est le même, celui de divertir, d’émerveiller, de créer un monde où l’impossible est tangible. Thomas Rinfret a signé le portrait fascinant d’un homme plus grand que nature, à l’image du bûcheron légendaire Paul Bunyan, dont les racines seraient apparemment canadiennes-françaises, avec une révérence qui n’exclut jamais la critique. Le résultat tient en haleine comme un match opposant Gilles « The Fish » Poisson et André le Géant au parc Jarry en 1973.

Les Barbares de La Malbaie

27 novembre 2019

Glory Days

Jason Béliveau

Les enjeux du film sportif commercial sont clairs et se soldent au dernier quart du récit. Victoire (généralement) ou défaite (rarement), aboutissements contraires de sacrifices et d’efforts surhumains, l’ambiguïté n’est que rarement admise. Même quand la défaite s’avère en réalité une victoire (Rocky), la sérialisation propre au genre viendra corriger le tir (Rocky II), dans un souci d’aplanir l’injuste, l’aléatoire, le caractère magnifiquement abstrait du match sportif. Tu bûches, tu gagnes. Le cinéma peut être parfois d’une mécanique trop conséquente.

Les Barbares de La Malbaie est la dernière production québécoise en date à se consacrer à notre sport national, source intarissable de passions et d’amertume. Sujet rassembleur oblige, il fallait vendre la marchandise, comme en atteste une bande-annonce vitaminée à la testostérone : blagues de femmes mal-baisées, mises en échec, le tout nappé de la voix d’Éric Lapointe éraillant un sulfureux « Marie-Stone ! » qui n’en finit plus de finir. Mais au travers de ces pépites turgescentes émergent les pointes d’une mélancolie toute particulière, d’un trouble qui déjoue les attentes. Sont visibles les blessures et les rêves déchus d’un joueur de hockey, Yves Tanguay (joliment détestable Philippe-Audrey Larue-St-Jacques), trentenaire qui a déjà passé à « ça » d’être dans la Ligue nationale de hockey.

Film de route versant Alexander Payne (Sideways, About Schmidt, Nebraska), influence assumée du cinéaste Vincent Biron (Prank), Les Barbares suit les frasques de Tanguay, « vedette » d’une équipe amateur qui vient de se tailler une place dans des championnats canadiens qui se tiendront à Thunder Bay en Ontario. Malgré une blessure débilitante au cou et un désaveu de son entraîneur (Jean-Michel Anctil, au curriculum d’acteur de plus en plus enviable), l’étoile déchue fera le pari de traverser les quelque 2000 kilomètres le séparant de ce qu’il considère comme une régénération de sa carrière. À ses côtés, le seul qui croit encore en lui, son jeune cousin Jean-Philippe (Justin Leyrolles-Bouchard), qui rêve un jour d’être agent de joueurs. Qu’il serait du genre à tenir son bout dans une conversation avec le personnage de Fernand des Boys, encyclopédie obsessionnelle de statistiques de hockey superflues, laisse présager une carrière prometteuse.

En chemin, Biron et le trio de scénaristes Éric K. Boulianne, Marc-Antoine Rioux et Alexandre Auger dépeignent en teintes grises les états de ces personnages en quête d’absolu, auxquels viendra se greffer une anglophone dubitative quant à l’issue de leur périple (Erin Margurite Carter). La petite équipe, qui avait déjà collaboré sur la surprise qu’a été Prank en 2016 (sélections à Venise et à Toronto), aime peupler ses films de sympathiques perdants, d’éternels frustrés au cœur d’or, d’êtres essentiellement faillibles. Et au lieu du lustre, nous seront montrés de station en station des autoroutes sans fin, des chambres d’hôtel miteuses, de richissimes joueurs de hockey avec de grosses cabanes montrées comme des châteaux transylvaniens, plantés dans des banlieues sinistres, et des bars miteux à Val-d’Or, localité d’espoirs toujours malmenés. Si le film est parfois drôle, sa structure narrative laisse sans cesse présager qu’une part de tragique attend Yves et son cousin à Thunder Bay.

Nous sommes loin de la pentalogie Les Boys, des histoires « de cul, de sports, de chars, de femmes ». Audacieux dans son obsession à déboulonner les codes du mâle bêta, rayon jack-strap et grosse quille de 50, Les Barbares de La Malbaie préfère interroger un masculinisme glorieux, dévoilé comme déconnecté de la réalité. Tandis qu’Yves fantasme sur son comeback, son cousin Jean-Philippe apprend du monde autour de lui, se met à voir derrière les parures, au-delà des différentiels et des taux de réussite sur les tirs. Il s’affirme, se définit.

À l’autre bout de ces trajectoires déviantes, tracées avec douceur, la patinoire n’est plus qu’une arrière-pensée. Le sport est intérieur et ne tient pas de score. Il peut tout de même être maîtrisé.

L’Écran cathodique [25-17]

22 juin 2017

Semaine du 23 au 29 juin 2017

[ Cliquez sur chacun des titres pour accéder à la fiche détaillée ]

Format DVDMr. Gaga
Tomer Heymann

Mr. Gaga

RÉSUMÉ SUCCINCT
Ohad Naharin, chorégraphe israélien de réputation mondiale, mélange des styles, des modes d’expression et des médias pour créer des spectacles de ballet d’une rare beauté et d’une grande modernité. Des entrevues, des reportages et des images de ses archives personnelles illustrent sa contribution artistique et son approche pédagogique.

AVIS
★★★★
ÉLIE CASTIEL

Voir ici.

Mr. Gaga Suite

2020 © SÉQUENCES - La revue de cinéma - Tous droits réservés.